Tema 2 A dança a partir do século XX
A dança moderna
Propostas contemporâneas como as desenvolvidas pela Companhia Fusion de Danças Urbanas e pelo grupo Margaridas Dança integram uma série de mudanças que começaram a ocorrer na dança a partir do século vinte, quando diversos dançarinos e pesquisadores passaram a renovar e a ampliar suas concepções e ideias a respeito dessa arte dando início ao que chamamos de dança moderna. Para entender quais foram essas rupturas, precisamos saber como era a dança antes delas.
Dançar é algo que acontece desde os tempos mais antigos, quando nossos ancestrais realizavam movimentos em ritos sagrados. A partir desses primeiros movimentos, a dança se desdobrou de diversas fórmas e, em diferentes épocas e lugares, assumiu as mais variadas características.
O balé foi o estilo de dança com o qual os precursores da dança moderna romperam diretamente, criando e, propondo outras fórmas de dançar, organizar o corpo e os seus movimentos. O balé surgiu nos salões em festas dos reinos e teve como seu maior entusiasta o rei francês Luís catorze (1638-1715), também conhecido como Rei Sol. Dos bailes, a dança foi para os palcos e se desenvolveu até culminar no que chamamos de balé romântico. Nesse período também surgiu a sapatilha de ponta, tão característica do balé. A primeira bailarina a dançar nas pontas foi Marie Taglioni (1804-1884), no balé La Sylphide.
Respostas e comentários
Objetivos
- Perceber os pontos de ruptura entre o balé e a dança moderna.
- Conhecer dançarinos dos Estados Unidos e da Europa que criaram fórmas de pensar e fazer dança.
- Experienciar uma proposta de dança coral.
- Desenvolver a autoconfiança e a autocrítica por meio da experimentação artística.
Habilidades favorecidas neste Tema
(ê éfe seis nove á érre zero um), (ê éfe seis nove á érre zero nove), (ê éfe seis nove á érre um zero), (ê éfe seis nove á érre um um), (ê éfe seis nove á érre um dois), (ê éfe seis nove á érre um quatro) e (ê éfe seis nove á érre três um).
Contextualização
Ao iniciar o estudo da dança moderna com os estudantes, relembre, mesmo que de fórma rápida, que o movimento com o qual os precursores dessa dança romperam foi o balé romântico, popularmente chamado de balé clássico.
No balé romântico, amplamente impregnado dos valores cristãos e europeus, as mulheres eram consideradas seres etéreos e os espetáculos mostravam um mundo dos sonhos, idealizado.
Ao romper com esses valores, os precursores da dança moderna apresentam novos conceitos sobre a arte de dançar, reaproximando-a da vida das pessoas e da natureza. Eles buscavam também retomar a relação com o próprio corpo, com a própria energia vital e com seus impulsos criativos e expressivos.
Comente com os estudantes que a expressão balé romântico se deve ao fato de as histórias contadas nas coreografias dessas danças terem como pano de fundo as ideias do Romantismo: amor platônico, a mulher como um ser perfeito e idealizado, amores trágicos e ideais utópicos.
As rupturas
As coreografias no balé romântico quase sempre mantinham o mesmo padrão: uma história romântica (temática), a presença de uma protagonista (primeira bailarina) e o corpo de baile. As apresentações aconteciam em palco italiano (palco tradicional, no qual a plateia assiste ao espetáculo de frente), com música clássica tocada por orquestra.
As coreografias eram compostas de movimentos simétricos e criteriosamente ensaiados (o papel dos bailarinos era apenas executar as coreografias criadas pelo coreógrafo). Esses movimentos tinham relação direta com a música, e os figurinos eram específicos para esse tipo de dança (tutu para as bailarinas, colante e calça para os bailarinos).
Durante muitas décadas, o balé romântico foi uma espécie de “modelo de dança ideal” para a côrte europeia. No entanto, vale lembrar que o século vinte foi palco de duas grandes guerras mundiais, que causaram destruição, miséria e uma mudança profunda na vida das pessoas e na fórma de ver o mundo.
Foi nesse panorama devastado pelas guerras que diversos artistas da dança, sobretudo mulheres, perceberam que era impossível continuar dançando e se expressando com base no pensamento romântico. Para eles, era preciso criar outros modos de expressar o tempo e a realidade que estavam vivendo e refletir sobre eles. Foi assim que surgiu a dança moderna.
Observe a seguir alguns expoentes desse novo olhar sobre a dança.
Respostas e comentários
Contextualização
Comente com os estudantes que os modernistas da dança consideravam o corpo como um todo, não o separando do espírito e dos sentimentos. Assim, a dança moderna era um modo de os dançarinos se relacionarem com seus sentimentos, com a vida que viviam e com as questões sociais de seu tempo.
Sugestão de atividade
Proponha aos estudantes uma leitura comparada de imagens a partir da palavra ruptura. Peça a eles que observem as imagens presentes no Tema 1 e as comparem com as imagens do Tema 2. Oriente-os a fazer essa atividade em duplas ou quartetos; desse modo, poderão olhar as imagens em, pelo menos, dois livros ao mesmo tempo, lado a lado, o que facilita a comparação.
Deixe que olhem as imagens e teçam comentários entre si por algum tempo. Em seguida, faça algumas perguntas para orientar a comparação entre elas:
- Quais semelhanças ou diferenças você percebe entre as imagens dos Temas 1 e 2? Deixe que os estudantes falem livremente sobre suas impressões.
- Caso encontrem diferenças, como elas podem ser expressadas com o corpo? E as semelhanças? Estimule-os a fazer poses estáticas para comunicar as diferenças, em duplas ou quartetos; assim, poderão se dividir para reproduzir aspectos das imagens do Tema 1 e do Tema 2.
- Quais são os níveis espaciais da dança utilizados nas cenas retratadas? O que esses usos o levam a pensar? Se for necessário, relembre esse conceito. Pode ser também uma oportunidade para investigar as temáticas expressadas nas imagens.
- Como são os figurinos usados pelos dançarinos do Tema 1? E os dos bailarinos no início do Tema 2, como são? Nessas perguntas, auxilie os estudantes a retomar as características dos figurinos de danças urbanas e a compará-los com os figurinos nas imagens do balé. Esta também será uma ruptura proposta na dança moderna, abordada de fórma mais aprofundada nas imagens das próximas páginas.
- Quais temas são abordados nas imagens dos Temas 1 e 2? E quais deles são mais próximos ou distantes da sua realidade? Incentive os estudantes a refletir criticamente sobre as relações entre a arte e a sociedade por meio dessas imagens. Será uma oportunidade para trabalhar a compreensão das linguagens artísticas como construções humanas, contextualizadas histórica, social e culturalmente.
Isadora Dankãn
Uma das pioneiras da dança moderna, a dançarina estadunidense Isadora Dankãn (1877-1927) incorporou à dança movimentos que se libertavam dos códigos preestabelecidos, valorizando os sentimentos e as emoções na composição de suas coreografias. Para ela, a dança deveria ser a expressão da alma, e não a exibição de técnicas.
Dankãn revolucionou a linguagem da dança ao propor a liberdade de movimentos. Como você já viu, no balé romântico os bailarinos apenas executavam as coreografias criadas pelo coreógrafo. Dankãn , ao contrário, passou a criar os próprios movimentos, livres e sem a simetria rígida do balé. Ela também mudou a relação com a música, muitas vezes dançando sem música ou ao som da natureza. Suas coreografias não ficavam presas a uma relação frontal com a plateia; ela usava até mesmo espaços ao ar livre para dançar.
A concepção de dança de Dankãn influenciou artistas do mundo todo, possibilitando a introdução de novas fórmas de dançar. No Brasil, os dançarinos Klauss Vianna (1928-1992) e ângel Vianna, influenciados pela dançarina, se destacaram ao desenvolver novas práticas de dança.
Respostas e comentários
Contextualização
Comente com os estudantes que, para Isadora Dankãn , uma composição de dança não poderia ser criada apenas com base em códigos/movimentos já estabelecidos previamente, pois essa arte deveria exprimir sentimentos e ideias que são mutáveis e diferentes entre as pessoas.
No livro Dançar a vida, o filósofo francês Rôgêr Garrodí (1913-2012) destaca um pensamento de Isadora Dankãn – reproduzido a seguir – que pode ser compartilhado com os estudantes.
[A dança como um novo modo de existir]
“Para mim, a dança não é apenas uma arte que permite à alma humana expressar-se em movimento, mas também a base de toda uma concepção da vida mais flexível, mais harmoniosa, mais natural. A dança não é, como se tende a acreditar, um conjunto de passos mais ou menos arbitrários que são resultados de combinações mecânicas e que, embora possam ser úteis como exercícios técnicos, não poderiam ter a pretensão de construírem uma arte: são um meio e não um fim.”
GARAUDY, Rogê. Dançar a vida. tradução Antônio Guimarães Filho; Glória Mariani. Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 1980. página 57.
Depois de ler para eles esse trecho, diga-lhes que Isadora Dankãn exprimiu as diferenças entre a concepção de dança proposta por ela e os preceitos do balé clássico. Comente com os estudantes que esse modelo de dança é composto de um conjunto de passos e de códigos estabelecidos, nos quais se baseiam tanto as coreografias quanto o treinamento dos intérpretes.
Caso julgue pertinente, comente com a turma que Isadora Dankãn considerava a dança “a expressão da liberdade”, e que suas primeiras pesquisas decorreram da observação das ondas do mar: o ritmo, as fórmas, as cores e as sensações.
As mudanças no figurino
Uma das transformações mais marcantes de Isadora Dankãn foi abolir a sapatilha de ponta e dançar com os pés descalços, buscando uma relação direta com a terra e com a concretude da vida. Ela também abandonou o figurino tradicional do balé usando vestes leves e esvoaçantes, inspiradas naquelas utilizadas pelas mulheres da Grécia antiga.
Observe as fotografias.
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Contextualização
Comente com os estudantes que os figurinos usados por Isadora Dankãn – vestidos feitos de tecido solto e leve – conectavam-se diretamente com seu modo de pensar a dança. Para ela, era importante libertar o corpo das roupas justas e desconfortáveis usadas pelos intérpretes do balé clássico e vesti-lo com roupas que o deixassem livre para criar os mais distintos movimentos.
Se a utilização da sapatilha de ponta pode ser vista como um dos símbolos do balé clássico, a dança feita com os pés desnudos foi um marco importante para a dança moderna. De acordo com Isadora, os pés descalços traziam uma conexão direta com a riqueza da terra – um elemento carregado de vida.
Leve os estudantes a refletir sobre as possibilidades de movimento que os dois figurinos proporcionam: o corpete apertado do balé, com a sapatilha de ponta, e as roupas largas de tecidos leves e pés descalços de Isadora Dankãn .
Loie Fuller
Outra dançarina estadunidense que contribuiu para a consolidação da dança moderna foi Louí Fúler (1862-1928). Assim como Isadora Dankãn , Fuller acreditava que a dança devia se libertar das narrativas dos contos de fadas, dos figurinos que restringiam movimentos e das coreografias fundamentadas em passos preestabelecidos.
Uma das principais inovações de Louí Fúler foi a criação de uma grande vestimenta de seda sobre a qual eram projetados feixes de luz coloridos durante suas apresentações. Para movimentar essa vestimenta, a dançarina utilizava bastões presos aos braços. O figurino, dessa maneira, transformava-se em uma grande tela em movimento. As coreografias realizadas com esse figurino ficaram conhecidas como dança serpentina.
Louí Fúler viveu muitos anos em Paris, na França, onde seu trabalho alcançou grande repercussão. Na capital francesa, tornou-se amiga de vários artistas, cientistas e intelectuais, como o pintor Henri de Tulúsi-Lautrec (1864-1901) e os irmãos luí (1864-1948) e Oguíst Limiérr (1862-1954), considerados os criadores do cinema.
Respostas e comentários
Contextualização
Comente que Louí Fúler desenvolveu um modo de dançar que articulava o uso de espelhos, projetores e figurinos, gerando uma dança poética e abstrata. A dançarina também utilizou os efeitos provocados pela luz no tecido. Em razão de sua pesquisa relacionada à iluminação, Loie ficou conhecida como a “fada da luz”.
Em 1891, Loie começou a investigar o que nomearia sua coreografia como dança serpentina. Nessa coreografia, o figurino era composto de um vestido que ultrapassava as dimensões corpóreas e tinha hastes que alongavam os braços.
Na época em que viveu em Paris, Louí Fúler conheceu os inventores do cinema, os irmãos Limiér, que realizaram, em 1899, um filme com a dançarina intitulado The Serpentine Dance, considerado o primeiro filme colorido da história. Em 1904, Louí Fúler apresentou-se no Brasil no Teatro Lírico, na cidade do Rio de Janeiro (Rio de Janeiro).
Comente com os estudantes que Louí Fúler não se preocupava em contar uma história com suas coreografias (como acontecia no balé), ou seja, ela entendia que a dança não é mais um meio para se atingir alguma coisa (contar uma história linear), mas um fim em si mesma, com seu próprio sentido e seus significados.
Explique que, nesse sentido, o corpo passa a ser a matéria principal da expressão: os protagonistas da criação artística são os movimentos e as possibilidades expressivas.
Por dentro da arte
Louí Fúler, a dançarina
Durante os anos em que viveu em Paris, Louí Fúler influenciou vários artistas na criação de obras visuais. Esses artistas buscavam representar a liberdade de movimentos e os efeitos esvoaçantes dos figurinos da dançarina. Entre as obras que representam Louí Fúler, merece destaque a escultura retratada a seguir.
O autor dessa escultura é Raul Françoá Lárchi (1860-1912), artista que se dedicava à art nouveau, estilo que se desenvolveu na Europa e nos Estados Unidos entre o final do século dezenove e o início do século vinte.
Respostas e comentários
Por dentro da arte
Chame a atenção dos estudantes para o modo como o movimento da dançarina Louí Fúler, além de seu trabalho com figurino e iluminação, está representado na escultura. A representação não é literal, mas nos leva a perceber, na escultura de Raoul François Larche, a presença desses elementos que compõem o trabalho da dançarina.
Relembre também que, no Tema 1, os estudantes conheceram alguns espetáculos de dança que se inspiraram na literatura para suas criações. Destaque que, aqui, se trata de um artista visual que se inspira na dança para criar em artes visuais. Ou seja, embora as linguagens da arte tenham suas especificidades, muitas vezes, alimentam processos de criação entre si.
Para conhecer e apresentar aos estudantes outra imagem criada a partir do trabalho artístico de Louí Fúler, acesse no site do Museu de Arte de São Paulo (maspi) a obra A roda (1893), de Henri de Toulouse-Lautrec, disponível em: https://oeds.link/l1Py45. Acesso em: 31 maio 2022.
Além desses trabalhos, há o curta-metragem Loie Fuller (1901). O filme é mudo. Nele é possível ver algumas cenas de Fuller dançando com um de seus famosos figurinos.
Rudolf Laban
Outro dançarino que revolucionou a dança ocidental no século vinte foi rúdolf Laban (1879-1958). Assim como Isadora Dankãn e Louí Fúler, ele rompeu com as propostas de dança tradicionais e desenvolveu uma nova maneira de conceber a dança e se relacionar com essa manifestação artística.
Laban estudou e pesquisou os movimentos realizados por operários de fábricas. Essa pesquisa possibilitou a ele que identificasse padrões que, mais tarde, foram classificados como fatores do movimento humano.
Com seu trabalho, Laban desejava aproximar a dança da vida das pessoas. Por essa razão, os espetáculos produzidos por ele abordavam questões políticas e sociais da época.
Ele criou também um sistema de notação de movimentos (labanotation) e de coreografias utilizado até os dias de hoje por companhias de dança e coreógrafos do mundo todo.
Suas teorias sobre o movimento e a coreografia estão entre os principais fundamentos da dança moderna.
Respostas e comentários
Contextualização
Alguns dos princípios básicos do movimento sistematizados por Laban explicitam o modo como ele concebia a relação entre a dança e a sociedade:
“1. O movimento é universal; 2. O movimento está em todas as coisas vivas; movimento é igual à vida; 3. A qualidade da vida está diretamente relacionada à sofisticação do movimento; 4. A intenção, a variedade e a complexidade são características do movimento que fornecem as informações sobre a qualidade geral da vida; 5. O corpo humano é uma unidade de aspecto tríplice, isto é, uma trindade composta por corpo, mente e espírito; que são interdependentes e relacionados ao movimento; 6. O movimento é sempre usado para duas finalidades distintas, tais como: a) o alcance (ou realização) de valores tangíveis, em todos os tipos de trabalho; b) para abordar os valores intangíveis, como por exemplo, na prece e na adoração; 7. O ser humano move-se para satisfazer um desejo, uma necessidade, que tanto pode ser: a) uma necessidade básica – página exemplo ir de um lugar a outro (locomoção); b) uma necessidade maior – p. ex.: extravasar energia e aliviar tensões; ou c) uma necessidade sutil – p. ex.: a necessidade de expressar a própria singularidade; 8. O movimento pode ser também motivado por necessidades sociais, ou seja, o desejo de integrar-se com outros indivíduos, de maneira a desenvolver um senso de comunidade e comunhão; 9. O movimento tanto é consciente quanto inconsciente.”
MOTA, Julio. rúdolf Laban, a coreologia e os estudos coreológicos. Repertório, Salvador, número 18, página 63, 2012. Disponível em: https://oeds.link/QJJe7C. Acesso em: 13 maio 2022.
Artista e obra
méri uíguiman
O Expressionismo se manifestou em várias linguagens artísticas. Esse movimento buscava, por meio do exagero e da deformação da realidade, expressar de fórma subjetiva a natureza e o ser humano, tendo como foco sentimentos e imagens do inconsciente.
Na dança, como resposta ao mundo devastado pela Primeira Guerra Mundial (1914-1918), artistas buscavam expor o lado mais obscuro dos indivíduos, seus medos, desamparo, angústia e fragilidade diante do horror da realidade. Corporalmente isso resultou em uma dança intensa, com foco nas contrações musculares (relaxamentos e tensões), torções do tronco, assimetrias, uso de caretas, deformidades faciais, de gestos, movimentos livres e improvisados, bem como o uso do chão.
A dança expressionista é conhecida também como “dança abstrata”, pois buscou expressar sentimentos e emoções em um movimento contrário ao de contar histórias com começo, meio e fim.
A alemã Méri Wigman (1886-1973) foi uma das bailarinas e coreógrafas mais importantes da dança expressionista. Aluna e colaboradora de rúdolf Laban, Wigman defendia a ideia de que a dança deveria se libertar da música, pois o corpo “canta”. Em 1917, deixou de trabalhar com Laban e passou a desenvolver abordagens próprias tanto como artista quanto como professora de dança.
Um de seus solos que ficaram mais conhecidos foi o Hexentanz (Dança-bruxa), de 1914. Nesse solo, a artista dança principalmente no chão e usa uma máscara. Suas coreografias continham forte carga dramática, que era expressa por meio de gestos e movimentos do corpo, muitas vezes improvisados e não coreografados. Observe a fotografia.
Respostas e comentários
Artista e obra
Enfatize para os estudantes que a dança foi parte importante do movimento expressionista, que aconteceu também em outras linguagens artísticas.
Comente com eles que a dança expressionista era considerada por seus precursores um modo de ter contato com as emoções mais profundas, tanto por parte dos intérpretes quanto por parte dos observadores. A dança expressionista tinha como característica a busca por fórmas abstratas que dialogavam com o inconsciente, além da não linearidade dos acontecimentos. Essa manifestação artística foi influenciada pelo contexto histórico da Primeira Guerra Mundial (1914-1918).
Comente com os estudantes que, diferentemente do balé romântico – quando as bailarinas usavam sapatilhas de ponta para ficar o mais distante possível do solo –, na dança expressionista os bailarinos passam a utilizar o chão como apoio para todo o corpo e para a construção das coreografias.
Para que os estudantes saibam um pouco mais sobre a dança expressionista, se for possível, busque vídeos na internet para lhes mostrar coreografias solo e espetáculos de méri uíguiman, como a Hexentanz (Dança bruxa).
Nos anos 1920 o expressionismo também teve uma ampla produção no cinema, especialmente na Alemanha, com filmes como O Gabinete do Doutor Galigari (1920), de Róbert Wíner, Nosferatu (1922), de Frídich Múrnau, e O Golem (1920), de Pául Wêguenar e Kárl Bôsa. Esses filmes, produzidos entre as duas guerras mundiais, também trazem à tona a atmosfera e as questões do período, por meio da ficção.
Maria Duchênis
No Brasil, uma das responsáveis pela introdução do trabalho desenvolvido por Laban foi a dançarina, coreógrafa e educadora Maria Duchênis (1922-2014).
Nascida na Hungria, Maria Duchênis mudou-se para o Brasil em 1940, fugindo dos horrores da Segunda Guerra Mundial (1939-1945).
Em suas coreografias, influenciada pelos ensinamentos de Laban, ela buscava nos gestos do cotidiano as mais variadas possibilidades de comunicação. Duchênis trabalhava com dançarinos profissionais e não profissionais. Entre suas criações coreográficas, destaca-se o espetáculo Magitex (1978).
Em 1984, Maria Duchênis criou o projeto Dança/Arte do Movimento, que durou dez anos e visava ensinar dança a crianças e professores que frequentavam bibliotecas públicas da cidade de São Paulo.
O projeto Dança/Arte do Movimento possibilitou que Duchênis levasse suas propostas de dança para espaços não convencionais, como igrejas, praças e estacionamentos.
A dança coral
Seguindo uma proposta elaborada por Laban na década de 1920, Maria Duchênis desenvolveu no Brasil a chamada dança coral.
Nessa proposta – em que um grande número de pessoas realiza movimentos em conjunto –, os principais objetivos são tornar a dança acessível a todos e promover uma celebração do espírito comunitário.
Respostas e comentários
Contextualização
Para saber mais sobre o trabalho de Maria Duchênis, acesse o canal do Museu da Dança pelo link: https://oeds.link/n0xH8t. Acesso em: 13 maio 2022. No canal, há uma lista de vídeos dedicada à trajetória da educadora e artista, incluindo registros de espetáculos e depoimentos de profissionais da dança sobre seu trabalho.
Nessa lista, há ainda dois vídeos com registros específicos de seu trabalho com a dança coral nos anos 1990 com os espetáculos Dança Coral Origens um, apresentado no Theatro Municipal de São Paulo, e Dança Coral Origens dois, no Parque Ibirapuera.
Em Dança Coral Origens dois, montado com pessoas de diversas idades, incluindo crianças, a proposta pode ser lida nas imagens em movimento. Na dança coral, não é necessário ser bailarino para dançar nem ter experiências anteriores com a dança cênica, pois ela é um convite para que cada participante dance usando repertórios pessoais.
Faça no diário de bordo.
Experimentações
• Neste Tema, você conheceu coreógrafas, educadoras e dançarinas, entre elas Maria Duchênis e seu trabalho com dança coral no Brasil. Em suas aulas e apresentações, Duchênis trabalhava com gestos, diferentes maneiras de se movimentar e ocupar os espaços com o corpo e a dança. Além disso, como Laban, ela fazia registros das coreografias criadas para serem executadas por muitas pessoas. Esses registros tinham função semelhante à das partituras musicais.
Momento 1 – Investigar e reinventar movimentos
- Com a orientação do professor, forme um grupo de cinco integrantes.
- Relembrem os movimentos criados, e sua ordem, com base nas palavras-temas, trabalhadas ao final do Tema 1 ou criem outros, improvisando movimentos da dança. Se escolherem a improvisação, depois de dançar por alguns minutos, definam, no mínimo, cinco movimentos que serão explorados a seguir. Nos dois casos, trabalhem em grupo, tanto para lembrar movimentos já criados quanto para improvisar.
- Depois de criar ou relembrar os movimentos de dança, investiguem algumas características desses movimentos, analisando cada um deles. Nesse momento, dividam o grupo em dois subgrupos: um vai dançar e o outro observar. Depois vocês trocam as funções. Estas perguntas podem auxiliar na investigação: onde começa e onde termina o movimento? Qual é a primeira parte do corpo que se movimenta ao começar? E ao terminar? Quais níveis da dança se ocupam com essa movimentação (baixo, médio e alto)? Depois, conversem sobre cada movimento, investigando de onde ele parte e onde termina, e quais níveis ocupa.
- Em seguida, comecem a reinventar esses movimentos experimentando qualidades diferentes para cada um deles. Quatro pessoas do grupo vão dançar e uma vai indicar a qualidade de movimento que o grupo vai executar. Após passar por todas as qualidades de movimentos, outra pessoa assume a direção, enquanto as demais continuam praticando e assim por diante. Vocês podem trabalhar com as seguintes qualidades: usando muita fôrça/pouca fôrça/fôrça mediana; em tempo lento/rápido/médio/muito lento/muito rápido; leve/pesado; ocupando muito/pouco espaço; movimento contínuo/pausado.
- Depois de experimentar os movimentos algumas vezes, definam qual será a qualidade de cada um. As qualidades podem ser combinadas: um movimento pode ser lento e contínuo; outro, forte e pesado etcétera Pratiquem os movimentos algumas vezes antes de iniciar o próximo momento.
Momento 2 – Partituras de dança
- Utilizando papel e lápis ou caneta, criem um registro para a sequência de dança do grupo. Façam isso com todos os movimentos e anotem essas representações lado a lado, como se fosse uma partitura musical.
- Em seguida, em um papel à parte, criem um grupo de desenhos para representar a qualidade de cada movimento.
- Depois, desenhem como imaginam que esta sequência de movimentos da partitura poderia ocupar o espaço quando forem dançar juntos.
Momento 3 – Tradução e partilha
- Chegou o momento de apresentar os movimentos criados. Dancem juntos a cena ou sequência de dança e depois apresentem as partituras. Na exposição, expliquem os desenhos, mostrando a qual movimento e qualidade se referem.
- Depois, discutam os principais desafios ao realizar esta experimentação e falem outras impressões que tiveram nos Momentos 1 e 2.
- Façam um relato desta vivência no diário de bordo.
Respostas e comentários
Experimentações
Esta pode ser uma continuidade da experimentação realizada ao final do Tema 1 ou um novo momento de prática e criação com os estudantes, independente da proposta anterior.
Em ambos os casos, a proposta terá dois focos complementares a serem trabalhados com sua orientação:
um. Colaborar para o desenvolvimento da consciência corporal e de movimento dos estudantes, investigando o modo como se articulam no corpo e seus diferentes fatores de movimento – esforço, peso, espaço, tempo, fluência. Esses fatores têm referência na fórma como Maria Duschenes trabalhava a linguagem do movimento em suas aulas.
dois. Experimentar e criar, coletivamente, formas sintéticas de registro dos movimentos da dança, contemplando tanto a fórma dos movimentos quanto as suas qualidades.
A proposta não precisa de música para ser praticada; o foco está nos movimentos do corpo e em suas possibilidades rítmicas próprias.
Momento 1: para facilitar a investigação dos movimentos, sugira aos grupos que pratiquem em um ritmo como se estivessem em câmera lenta, de modo que percebam tanto a trajetória dos movimentos dançados como o modo como eles ocupam o espaço. Se considerar necessário relembre com eles o que são os níveis da dança, lembrando que eles estão relacionados às posturas corporais e à fração do espaço que ocupamos: baixo – próximo ou em contato com o chão; médio – na altura da cintura; alto – acima da cabeça, incluindo saltos.
Momento 2: incentive os estudantes a criar desenhos que remetam aos movimentos. Por exemplo, um giro pode ser um desenho de espiral, um salto para cima pode ser o desenho de uma flecha, e assim por diante. Oriente-os a criar não só movimentos, mas também fórmas coletivas no espaço: círculos, caracóis, filas etcétera. Lembre-os de sair do padrão palco italiano (frente única) e trabalhar diversas frentes na criação da coreografia.
Momento 3: esse momento será uma oportunidade para avaliar como foi o envolvimento dos estudantes com a proposta, as dificuldades que tiveram e se conseguem ou não comunicar os movimentos da dança por meio da partitura. É importante levar em conta que o desenvolvimento dessas habilidades é um processo e que essas questões podem ser trabalhadas novamente em outros momentos.