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OBJETIVO GERAL

▶ Estabelecer relações entre as diversas linguagens artísticas em que a participação do público é valorizada e identificar como se estreitam os limites entre o artista e o espectador promovendo discussões e práticas no contexto escolar.

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eu SEI

Como artistas e público se relacionam?

Os artistas são criadores de propostas que podem ter como objetivo a expressão de sentimentos, emoções e ideias traduzidas em obras que se manifestam em artes visuais, dança, música e teatro.

O público entra em contato com essas propostas que são compartilhadas e, portanto, só fazem sentido a partir do diálogo que se estabelece entre obra e espectador. Quem assiste não só recebe o que lhe é apresentado, mas é provocado por aquilo que vê, ouve, sente, tornando-se participante dessa dinâmica.

As obras de arte podem nascer das relações entre os indivíduos e o meio. É um processo que envolve o artista e o espectador.

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ARTISTA E ESPECTADOR

▶ A turma realizará uma prática teatral que envolve artista e espectador e consiste na construção de histórias entre os que serão os contadores e os que serão plateia. Sigam as orientações.

1. Com a orientação do professor, definam os papéis: aqueles que contarão as histórias e aqueles que serão parte do público.
2. Para iniciar a atividade, organizem a sala de aula selecionando um espaço, preferencialmente em roda, para contadores e espectadores.
3. O grupo de contadores deverá inicialmente selecionar uma história descrevendo cenário, personagens e enredo. Pode ser um relato pessoal, um conto ou uma história clássica conhecida por todos.
4. Quando considerar adequado, os contadores deverão fazer perguntas aos espectadores sobre a história ou as personagens. As respostas poderão mudar os rumos do que está sendo contado. Lembrem-se sempre de assumir uma postura respeitosa com os colegas.
5. Os espectadores também devem interagir respondendo às perguntas de formafórma coletiva ou individual, conforme as situações se desenrolarem.
6. O professor mediará o processo, auxiliando no desenvolvimento da história, fazendo perguntas para artistas e espectadores ou intervindo quando necessário.
7. Quando julgar conveniente, o professor pode substituir os artistas por um grupo que integra o público durante o desenvolvimento da história.
8. O jogo termina quando artistas e plateia conseguirem concluir o enredo elaborando um final engraçado, criativo ou inusitado para a história.
9. Para finalizar, discutam a experiência descrevendo como se sentiram nos papéis durante essa prática.

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eu vou APRENDER Capítulo 1

Arte em constante movimento

As obras do artista brasileiro Ernesto Neto (1964-) são grandes estruturas de formasfórmas lúdicasglossário que convidam o público a interagir tocando a obra e até caminhando sob as estruturas de formasfórmas orgânicas, como se pode observar na fotografia desta página. Essas estruturas têm como base o tecido, o crochê, e são realizadas à mão por meio de um extenso e minucioso trabalho colaborativo na confecção, pois envolve outras pessoas.

Muitas manifestações artísticas permitem aos artistas desenvolver propostas em que o espectador possa ser parte da obra, que já não é mais feita e acabada pelo artista, fechada e imutável, somente para mera contemplação. Isso se dá sobretudo na Arte Contemporâneaglossário , que, por meio da interação e da participação do público, pretende promover novas experiências.

O artista apresentou uma grande instalação, elaborada à mão a partir de cordas coloridas e tramas de crochê, que permitiu que os visitantes pudessem viver diferentes experiências ao caminhar pela obra.

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A criação de uma obra pode vir do desejo do artista de compartilhar coletivamente os processos de criação com o público. É o caso de Vivam os campos livres, obra instalativa do artista espanhol Antonio Ballester Moreno, idealizada para a 33ª Bienal de São Paulo de 2018 e que levava o título Afinidades afetivas. Foram modelados 6 0006000 cogumelos em argila por estudantes de centros educacionais da rede municipal de ensino da capital paulista, que participaram desde a execução até a montagem da obra.

1. A partir das obras retratadas entre as páginas 14 e 15, expliquem como a participação do público acontece em cada uma.

2. Pesquisem em livros ou na internet outras obras e artistas que propõem uma aproximação e interação do espectador com a obra – apenas uma por grupo. Organizem uma apresentação da pesquisa e compartilhem os resultados para a turma.

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ARTE NO CONSTRUTIVISMO

Os movimentos artísticos são tendências seguidas por artistas com pensamentos e ideais em comum sobre a arte que produzem. Vamos entender como alguns desses movimentos se modificaram e influenciaram a visão sobre a arte ao longo dos tempos, especialmente aqueles que surgiram a partir da segunda metade do século XXvinte, até chegarmos à Arte Contemporânea, que busca uma arte mais próxima do espectador.

O Construtivismo foi um movimento artístico surgido na Rússia, por volta de 1914, que valorizou a geometria e o abstracionismo. Ele se conectava diretamente com os ideais modernos representados pelas máquinas, pela engenharia arquitetônica e pela tecnologia da época. Além da visualidade, muitas obras se aproximavam dessas características pelo uso de materiais industriais, como ferro, vidro e plástico. As influências do Construtivismo chegaram à América Latina no período do pós-Segunda Guerra Mundial. No Brasil, podemos identificar a influência do Construtivismo nos movimentos Concreto e Neoconcreto.

3. Como a ideia de modernidade pode ser identificada nas obras do Construtivismo russo retratadas nesta página?

4. Para vocês, que características são necessárias para algo ser reconhecido como moderno?

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Concretismo no Brasil

A indústria e o progresso eram fortes promessas no Brasil da década de 1950. Naquele contexto, considerava-se que a arte geométrica abstrata estava relacionada à modernidade e às tendências internacionais, como o Construtivismo, e que seria ideal para representar um novo país. Essa visão se relaciona diretamente com o Concretismo, movimento que se iniciou no Brasil em 1952, com a primeira exposição do Grupo Ruptura, em São Paulo, que propôs renovar os valores das artes visuais por meio de pesquisas geométricas e pela proximidade entre arte e produção industrial.

5. As obras concretas têm forte apelo abstrato e geométrico, racionalidade e medidas matemáticas. Diante disso, siga as orientações.

a. Inspire-se e faça uma colagem com papéis coloridos valorizando esses critérios. Se necessário, utilize régua para medidas mais precisas.

b. Com a orientação do professor, organizem um painel para expor os trabalhos.

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Poesia concreta

O que acontece quando a poesia encontra as artes visuais, o designglossário e a música? A poesia concreta é resultado do encontro de linguagens. Consequência das influências do Concretismo no Brasil, o poema concreto tem como característica principal a exploração dos aspectos gráficos da palavra, buscando estabelecer relações entre a palavra e o texto, a sonoridade e a imagem. Por esse motivo, eles são chamados de poemas-objetos. Veja exemplo de como as palavras ganham maior visualidade na poesia concreta.

Os poetas concretos buscavam novas formasfórmas de expressão verbal, em um diálogo com a pintura, a escultura e a música. Priorizando os aspectos visuais e sonoros, o poema concreto desconstrói a formafórma tradicional do verso, decompõe e inverte as palavras, apropria-se de neologismosglossário e termos estrangeiros, repete palavras e frases, preocupa-se com a visualidade da letra impressa e propõe múltiplas possibilidades de leituras.

O grupo Noigandres, de São Paulo, formado originalmente pelos poetas Haroldo de Campos (1929-2003), Augusto de Campos (1931-) e Décio Pignatari (1927-2012), destacou-se com suas publicações de poesia concreta a partir da década de 1950. Em 1956, a poesia concreta consolidou-se como uma nova vertente da literatura brasileira com a Exposição Nacional de Arte Concreta, ocorrida em São Paulo. É possível reconhecer influências da poesia concreta na obra de Paulo Leminski (1944-1989) e Ronaldo Azeredo (1937-2006). Veja a seguir.

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6. Observem as obras retratadas na página 18 e nesta e expliquem por que podem ser consideradas poemas concretos.

7. Agora é a vez de vocês criarem uma poesia concreta explorando a visualidade (cores, fonte e disposição das letras no papel). Sigam os passos.
   1. Cada um será responsável pela criação de uma poesia concreta. Elas farão parte de um livro. Façam testes e rascunhos em folhas avulsas, explorando o potencial visual dos textos.
   2. Dobrem de três a quatro folhas sulfite ao meio e encaixem uma dentro da outra, formando um livro. Fixem as páginas com o auxílio de um grampeador na lombada. Elaborem um título que deverá estar na capa.
   3. Cada integrante do grupo terá uma dupla de páginas para incluir sua poesia concreta usando a criatividade. Lembrem-se de que o mais importante é utilizar o espaço das páginas para mostrar sua poesia.
   4. Ao final, compartilhem os livros com as turmas para apreciação de todos.

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Música concreta

Sons cotidianos e produzidos por diferentes objetos, emitidos por fontes sonoras diversas, como utensílios domésticos, serras elétricas, apitos de trem, cantos de passarinho, entre outros, são incorporados à técnica experimental de composição chamada de Música Concreta, que é considerada precursora de métodos e técnicas que hoje são parte do processo de composição da música pop, do rock progressivo e da música eletrônica.

Na década de 1940, o compositor francês Pierre Henrypiérr anrrí (1927-2017) uniu-se ao também compositor e teórico da música francês PierrePiérr Schaefferchéfer (1910-1995), que vinha experimentando sonoridades reproduzidas por meio de fitas magnéticas, aparelhos elétricos e equipamentos de áudio. Em 1951, Schaefferchéfer batizou essa nova abordagem criativa de Música Concreta.

O gênero desenvolvido por HenryEnri e Schaefferchéfer foi possível graças à fita magnética, invenção alemã do final da década de 1920, armazenada em grandes rolos. A fita magnética propiciava grande versatilidade, pois as gravações de sons de instrumentos, do ambiente ou de qualquer outra fonte sonora podiam ser utilizadas de diversas maneiras, como editar e remover trechos de lugar. Também era possível uma reprodução mais rápida ou mais lenta, ou tocar um trecho da fita ao contrário, criando diferentes efeitos. A matéria-prima da Música Concreta eram as gravações em áudio.

8. Os sons e os ruídos ao nosso redor podem ser material para a criação musical. Traga como referência uma música em que foram incorporados sons cotidianos como os citados no texto. Compartilhe com a turma para que os colegas possam identificar esses sons.

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INOVAÇÕES DO NEOCONCRETISMO

Novos rumos são tomados desde o impacto do Concretismo para os artistas cariocas e paulistas. Em março de 1959, os artistas do Grupo Frente, do Rio de Janeiro, romperam com o Concretismo ao publicar o Manifesto Neoconcreto e realizar a 1ª Exposição de Arte Neoconcreta no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAMmân/RJérre jóta).

Nesse Manifesto, os artistas defenderam maior liberdade por meio de uma renovação das propostas do Construtivismo, negando o racionalismo extremo e valorizando a participação efetiva do espectador, que, ao manipular e interagir com as proposições artísticas, tornava-se parte da obra.

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Como pode ser observado nas obras retratadas na página 22 e nesta, ainda com forte geometrização e abstração, artistas como Aluísio Carvão (1920-2001), Hélio Oiticica (1937-1980) e Hércules Barsotti (1914-2010) exploravam a intensidade das cores. O destaque na escultura são Amílcar de Castro, Franz Weissmannváismam e WillysUílis de Castro (1926-1988).

1. Franz Weissmannváismam, Lygia Pape, Amílcar de Castro e WillysUílis de Castro trouxeram importantes contribuições para o Neoconcretismo. Para conhecer mais o trabalho deles:
   1. pesquisem em livros ou na internet e escolham a obra de um deles para inspirar a criação de uma pequena escultura com bases neoconcretas;
   2. foquem na geometria e no uso de cores quentes e intensas. Utilizem papel-cartão ou papelão para criar propostas tridimensionais com dobras e recortes;
   3. Sob a orientação do professor, exponham os trabalhos e conversem sobre as produções. Não se esqueçam de criar legendas para as obras produzidas.

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A participação na obra de Lygia Clark

Entre as várias limitações do público que visita um espaço expositivo, o alerta para não tocar nas obras expostas é uma das advertências mais frequentes. Essa relação de distanciamento entre obra e espectador inquietava a artista mineira Lygia Clark, que criou proposições que convidam o espectador a ser participante, possibilitando experiências sensoriais.

Caminhando, proposição criada em 1964, é a ação de cortar uma fita de Moebius (Möbius, no original), uma estrutura tridimensional obtida pela colagem das duas extremidades de uma fita de papel torcida. De acordo com a artista, Caminhando oferece ao participante a capacidade de, pela experimentação, recuperar o lúdico e a presença com uma simples ação. Após o participante cortar a fita, ela é descartada. Caminhando é um marco na trajetória da artista, pois corresponde à passagem do objeto permanente, como no caso dos Bichos, que veremos na sequência, para uma arte efêmeraglossário .

2. Em Caminhando, Lygia Clark realiza uma ação com a fita de Moebius e, em seguida, a descarta. Se a fita, única materialidade presente na obra, é descartada, o que pode ser considerado mais importante em Caminhando?

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Lygia Clark e as experiências sensoriais

Lygia propõe que o corpo seja ativado por uma arte que possa promover experiências sensoriais que ativem a memória e estimulem sensações e conexões, visando à descoberta de novas percepções que vão além apenas do visual.

Entre 1976 e 1981, ela se dedicou à prática terapêutica por meio dos Objetos relacionais, com materiais que exercem uma ação terapêutica no participante, como pedras; conchas; sacos plásticos com sementes, ar ou água; meias-calças com esferas etcetcétera. O participante se relaciona com os objetos ativando sentidos táteis e olfativos por meio de textura, peso, sonoridade, movimento, tamanho ou temperatura de cada um.

Interessada na participação do espectador na criação artística, Lygia reuniu experimentos sensoriais que acessam memórias afetivas e provocam reações de diversas ordens no espectador.

3. Expliquem por que podemos afirmar que as proposições de Lygia Clark não existem sem a participação do público.

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Bichos

Em 1959, Lygia Clark criou a série Bichos, objetos escultóricos que, manipulados pelo espectador, resultavam em novos formatos. Constituídos por dobradiças e por chapas de metal maleáveis com diferentes cortescórtes, Bichos revolucionou alguns conceitos sobre arte, pois, pela primeira vez, o público podia manipular e alterar a obra, até então mantida intocada em museus e galerias. Desse modo, espectador e obra desenvolvem uma relação mútua: um não existe sem o outro. Sobre essa série, Lygia escreveu em 1960:

4. Expliquem por que Bichos é uma escultura que pode ser alterada e remontada.

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Em 2013, em uma feira de arte na Suíça, a obra Bicho ganhou uma versão monumental de 7 mmétros de altura. A ideia já era um projeto de Lygia dos anos de 1960, em que as obras originalmente em menor escala ocupariam espaços em maior escala, trazendo outra relação do público comparada com a proposta inicial.

Lygia é uma artista reconhecida mundialmente, tendo participações em exposições nacionais e internacionais. Em 2021, foi homenageada com a exposição Lygia Clark (1920-1988) 100 anos por suas contribuições para a arte brasileira.

5. Para experimentar a criação de um objeto manipulável como Bichos, de Lygia Clark, siga os passos.
   1. Sobre um papel-cartão colorido, desenhem triângulos irregulares, sem uma medida exata, com o auxílio de uma régua. Depois, recorte as figuras, como no modelo 1.
   2. Unam os triângulos pelas laterais e, para fixá-los, utilizem fita adesiva, como no modelo 2.
   3. O objeto estará pronto assim que for possível mantê-lo apoiado ao ganhar uma formafórma tridimensional, como no modelo 3.
   4. Manipulem as esculturas testando diferentes posições e formatos.

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O experimental em Hélio Oiticica

O artista carioca Hélio Oiticica (1937-1980) destacou-se no cenário artístico brasileiro pelo caráter inovador e experimental de suas propostas. Suas obras e seu pensamento sobre a arte influenciam diversos artistas, por gerações. Assim como Lygia Clark, ele apostou nas ampliações de possibilidades vindas com o Neoconcretismo.

A partir de 1960, Oiticica criou as obras que compõem a série Penetráveis, labirintos nos quais o público é convidado a adentrar e interagir no ambiente (veja na fotografia). Com os Penetráveis, Oiticica enfatizou a participação do espectador na obra. A ação do público é tão importante quanto a proposta do artista. Sem a possibilidade do caminhar do espectador entre os espaços da obra, os Penetráveis seriam apenas esculturas convencionais.

Sobre a necessidade de expansão do espaço em suas obras, Oiticica declarou:

6. Explique o que Oiticica quis dizer com o fato de o quadro limitar o espaço a um retângulo.

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Outra criação do artista são os Bólides, caixas compostas de objetos diversificados em seus interiores. As primeiras peças dessa série foram chamadas de Bólides-Caixa, como o B30 Bólide-Caixa 17, contendo em seu interior um saco plástico com o seguinte poema: “do meu sangue/ do meu suor/ este amor viverá”. É necessário que o espectador manipule a caixa e manuseie os objetos para interagir com as peças.

A instalação Tropicália é formada por uma estrutura labiríntica, criando um ambiente que mistura o tropical com o tecnológico e proporciona experiências visuais, táteis, sonoras, olfativas. Na Tropicália, o participante caminha sobre diferentes texturas, areia, pedras, tapetes, lê poemas colocados entre as folhagens, brinca com as araras, sente o cheiro de raízes, assiste às imagens transmitidas por um televisor etcetcétera.

7. Lygia Clark e Hélio Oiticica se destacaram nas novas propostas de um movimento que, a partir do Concretismo, mudou os rumos da arte para o que foi chamado de Neoconcretismo. Apontem as semelhanças entre os dois artistas.

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Parangolés

Como seria uma obra que se torna um acontecimento ao ser usada pelo espectador ou participante ao se movimentar e dançar? Dança e música também são linguagens que integram a obra de Hélio Oiticica.

Os parangolés são capas, estandartes, tendas ou bandeiras para serem vestidos. São feitos com camadas de tecidos coloridos interligados que podem carregar palavras e imagens, revelando-se quando o participante se movimenta. O Parangolé torna-se uma espécie de extensão do corpo de quem o veste. De acordo com Oiticica, o Parangolé nasceu da ideia de unir cor, dança, palavra e imagem. A cor se expande no espaço com o ritmo da música e o movimento da dança. Nessa ação, o participante revela sua criatividade e capacidade de improvisação. Os parangolés exigem que todo o corpo participe da ação.

A primeira apresentação pública do Parangolé ocorreu em 1965 na abertura da mostra Opinião 65, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAMmân/RJérre jóta). Essa apresentação contou com a participação de um grupo de passistas e ritmistas da Escola de Samba Estação Primeira de Mangueira, do Rio de Janeiro, e do próprio artista. Entre outras razões, essa exposição ficou marcada pela expulsão de Oiticica e dos representantes da Mangueira do interior do museu, pois a performance do grupo foi considerada perigosa às outras obras da exposição. Oiticica e os demais participantes continuaram a performance nos jardins do museu.

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Hélio Oiticica teve seu primeiro contato com a Estação Primeira de Mangueira por intermédio de Amílcar de Castro, artista pertencente aos neoconcretistas do Grupo Frente e que trabalhava em alegorias de carnaval no ano de 1964. A partir dali, a paixão pelo samba e a forte conexão com a escola verde-rosa moveram a vida de Hélio, que se tornou passista em seus desfiles.

8. Os parangolés de Oiticica integram artes visuais, dança e música, convidando o público a participar da obra, que só acontece pelo movimento do corpo e das peças que a integram. Crie seu próprio parangolé e coloque o corpo em ação.
   1. Para a criação do seu parangolé, providencie pedaços de tecido, papel, fitas, sacos plásticos, papel de seda colorido, entre outros materiais maleáveis.
   2. Una-os com cola ou com o auxílio de um grampeador. Verifique se essa junção de diferentes peças se encaixa no seu corpo como se fosse um tipo de capa.
   3. Com a peça pronta, a turma performará movimentos criados a partir de uma música que deverá ser selecionada por todos, com a orientação do professor. Perceba que, enquanto dança, as camadas do parangolé também se movimentam. É nesse momento que a obra acontece.

d. Ao final da proposta, compartilhe as sensações com os colegas.

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O PÚBLICO NO TEATRO DE BRECHT

Se a arte imita a vida, no sentido de representá-la e criar uma ilusão entre arte e realidade, no teatro épico de Brechtbréche o espectador é um observador que se posiciona de maneira ativa frente à cena e aos atores, estando consciente de que o teatro é apenas uma representação da realidade.

Bertolt Brechtbértold Brécht (1898-1956) foi poeta, novelista e um dos teatrólogos mais encenados no mundo, além de um dos mais importantes autores do século XXvinte. Questões sociais, políticas e conflitos vividos entre a Primeira e a Segunda Guerra Mundial eram temas que atravessavam sua obra, convidando o espectador a refletir criticamente sobre eles.

No teatro épico de Brechtbréche, não era o bastante apenas retratar as desigualdades sociais, por exemplo; era fundamental que o espectador, de formafórma analítica e crítica, pudesse se conscientizar dessas questões e formular o próprio ponto de vista. Brechtbréche convocava a participação do espectador, que deveria, além de interpretar e compreender a cena diante dele, atuar na sociedade ao seu redor.

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Brecht no Brasil

As adaptações das peças teatrais de Brecht brécheno Brasil tiveram início a partir da montagem de A exceção e a regra, em 1954, pelo ator e dramaturgo Alfredo Mesquita (1907-1986), em São Paulo, com alunos da Escola de Arte Dramática.

A obra de Brechtbréche foi ganhando notoriedade pela crítica, pelo público, e desde então continua sendo fonte de inspiração para inúmeras outras companhias. Observe na linha do tempo, entre as décadas 1950 a 1970, importantes peças de Brechtbréche adaptadas no Brasil.

▶ Para conhecerem mais sobre a obra de Brechtbréche, sigam os passos.

1. Pesquisem a sinopse de uma das adaptações de Brechtbréche no Brasil, assim como o enredo e as principais personagens.
2. A partir dessas informações, criem um cartaz fictício para divulgar a peça utilizando desenhos ou colagens.
3. Compartilhem os cartazes com a turma, expondo-os em algum local de maior circulação na escola.

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eu vou APRENDER Capítulo 2

Arte Contemporânea e público

Observe as imagens de Cloudgate, uma escultura monumental feita em aço, criação do artista britânico-indiano Anish Kapoor ênichi capúre localizada em Chicago, nos Estados Unidos. Os visitantes podem andar ao redor ou embaixo da escultura e observar as imagens refletidas e distorcidas de si mesmos e do espaço urbano ao redor.

Essa obra pode ser considerada “bela” para os padrões de uma escultura clássica? Afinal, isso é arte? São algumas perguntas que o espectador pode fazer ao observar uma obra tão instigante. Entretanto, as reflexões geradas a partir de uma obra como essa, ou o que sentimos e como nos relacionamos com ela, são provocações trazidas pela Arte Contemporânea.

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A Arte Contemporânea não tem um período demarcado, mas pode ser percebida desde a segunda metade do século XXvinte até a atualidade. Apesar de estarmos inseridos nesse período de tempo, é comum que, à primeira vista, esse tipo de arte gere um estranhamento, uma vez que a referência clássica do belo ainda faz parte do nosso imaginário. Por ser provocativa ou mesmo contestadora, o público é solicitado a refletir e encontrar respostas mais abertas para interpretá-la.

Na Arte Contemporânea, o conceito de beleza se expande. O “belo” clássico – traduzido por técnica, harmonia e equilíbrio – não é mais essencial, tornando o julgamento do que é “bonito” algo bastante impreciso, tanto pelas escolhas do artista quanto pelo que agrada ou não ao espectador.

A Arte Contemporânea também se desprende do uso de materiais convencionais como única formafórma de pintar ou criar esculturas, por exemplo. É incontável a diversidade de materiais utilizados como industriais, naturais, sintéticos, entre outros. A obra pode estar exposta sobre a parede, sobre o chão, ou suspensa.

1. Observem a obra de Nuno Ramos e respondam no caderno:
   1. Quais materiais não convencionais foram utilizados?
   2. Por que essa obra rompe com a ideia do belo clássico na arte?

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DA ARTE CONCEITUAL À ARTE CONTEMPORÂNEA

Roda de bicicleta é considerada uma obra polêmica, pois rompe com os padrões da arte da época. Ao trazer objetos utilitários que perdem sua função pois estão no contexto de objeto artístico, a obra nos desafia a refletir sobre o sentido e os suportes da arte.

1. Diante disso, junto aos colegas, conversem e respondam: tudo pode se tornar arte?

Uma das significativas contribuições para a Arte Contemporânea veio da Arte Conceitual, movimento artístico surgido nos Estados Unidos e na Europa entre os anos 1960 e 1970. A ideia e o pensamento são primordiais para os artistas conceituais, como o francês Marcel Duchamp Marcél Diuchomp(1887-1968), que revolucionou o cenário artístico da época ao colocar a obra em segundo plano e a ideia em primeiro. O uso de materiais industriais fez com que a excelência da técnica desse lugar às reflexões envolvidas na obra, para que o público também fizesse perguntas sobre o que estava sendo colocado como arte.

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2. Com base na observação das releituras de Mona Lisa, por que podemos afirmar que o modo de fazer arte passou por mudanças?

Outros movimentos e tendências continuaram a surgir, ligados diretamente à vida contemporânea e com o interesse pelo rompimento dos padrões estabelecidos. As pinturas do estadunidense Jackson PollockDjéksôn Póloqui (1912-1956) registravam o movimento expressivo do corpo do artista no gotejamento da tinta sobre a superfície de grandes telas.

“Afinal, isso é arte?” é a pergunta que o espectador ainda pode fazer. Entretanto, outras indagações surgem na Arte Contemporânea, sobre o que sentimos e refletimos ao deparar com uma obra que dialoga com nosso pensamento e com nosso tempo.

3. No caderno, explique como alguns padrões clássicos foram rompidos na maneira de produzir arte. Escolha uma das obras presentes entre a página 40 e esta para embasar sua reflexão.

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Arte Contemporânea: artistas e obras

Vamos identificar como a Arte Contemporânea se manifesta a partir de alguns exemplos de artistas e propostas que têm em comum a investigação de temas e questões bastante relevantes para o contexto atual, que orientam e motivam a produção contemporânea.

A arte pode despertar nossa curiosidade? Para refletir sobre a pergunta, imaginem uma situação em que, ao caminhar por uma rua ou avenida de uma grande cidade, deparemos com um enorme sorvete derretendo sobre o topo de um prédio. Certamente teremos alguma impressão ou curiosidade sobre ela.

Claes Oldenburg (1929-), artista sueco-americano, amplia a escala de objetos banais do cotidiano – como alimentos, roupas, ferramentas etcetcétera. – que são retirados de seu local habitual e inseridos como esculturas em espaços públicos ou museus e galerias. Sobre suas esculturas, Claes explica:

4. Qual é a relação da escultura de Claes Oldenburg com o local onde foi instalada?

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A arte pode nos causar estranhamento?

Cada indivíduo estabelece relações com o que percebe na arte a partir de suas experiências. A representação de uma aranha, por exemplo, pode ter um significado diferente para o artista ou para cada espectador.

5. Quais reações e impressões a escultura de uma aranha gigante como essa causaria em vocês?

A aranha, para a artista franco-americana Louise Bourgeois Louíse Bourjoá(1911-2010), tem significados que remetem à proteção da figura materna e ao trabalho de tecelagem dos pais. BourgeoisBourjoá tem outras esculturas, como a retratada na fotografia desta página, instaladas em diversos museus pelo mundo, as quais são vistas pelo público que caminha sob a escultura. Segundo a própria artista, todos os seus temas encontraram inspiração na infância.

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A arte traduz quem somos?

O bordado é tradicionalmente associado ao ambiente doméstico e às mulheres. Na obra El Puerto, o artista Leonilson (1957-1993) utiliza a técnica para registrar seus dados biográficos – nome, idade, peso e altura – sobre um pedaço de sua camisa que cobre um espelho.

6. Nosso rosto está diretamente associado à nossa identidade, como nas fotografias de documentos, retratos e autorretratos de grandes pintores e fotógrafos. Explique de que maneira podemos identificar o artista retratado na obra e quais sensações ela pode nos passar.

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A arte ativa nossas memórias?

Em Parede da memória, somos apresentados a fotografias que podem nos fazer relacionar às nossas próprias lembranças e aos retratos de familiares e de pessoas que fazem parte da nossa história. Cada peça quadrada de tecido pode ser vista individual ou coletivamente, conectando indivíduos por um laço afetivo. Rosana Paulino (1967-) buscou referências em retratos de antepassados que foram impressos nos saquinhos, semelhantes a patuás, que são amuletos carregados para proteção. No trabalho, a artista demonstra interesse pela memória, pela representatividade e pelas questões raciais.

7. Segundo dados do Instituto Brasileiro de Geografia e Estatística (IBGEí bê gê É), mais da metade da população brasileira se identifica como parda ou negra. Com base nessa informação, estabeleça relações entre a obra de Rosana Paulino e as questões de identidade racial no Brasil.

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INSTALAÇÃO

Na Arte Contemporânea, a instalação é um recurso em que o objeto artístico é planejado e organizado para ocupar um local ou ambiente. Os materiais que compõem a obra constroem um cenário que permeia o ambiente, permitindo que o público interaja, observe e se movimente em relação à obra por ângulos variados. Nas instalações, podem ser ocupadas paredes, chão, teto, tornando-se suportes que ampliam a potência espacial da proposta artística.

A artista japonesa Chiharu ShiotaChirráru Chiota (1972-) é conhecida por suas instalações empregando fotografia, vídeo, gravuras, desenhos e objetos que contribuem para investigações sobre memória e identidade. Em A chave na mão, ChiharuChirráru traz dois barcos de madeira onde são presas cercacêrca de 180 mil chaves por um emaranhado de linhas vermelhas, criando uma rede que ocupa o ambiente.

1. Expliquem de que maneiras pode ser observada pelo espectador a instalação de Chiharu ShiotaChirráru Chiota.
2. Quais interpretações podemos atribuir à conexão entre as chaves e os barcos em A chave na mão?

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A palavra “abissal”, em sua concepção, é relativa a abismo e correspondente às profundidades oceânicas ou terrestres. A instalação Abyssal, da artista brasileira Regina Silveira, cria uma ilusão de óptica pelo uso da perspectiva de desenhos matematicamente calculados e instalados sobre o chão. O público é convidado a caminhar pelo espaço e sobre as imagens que distorcem a realidade. Em seus trabalhos, a artista cria projetos que brincam com a percepção do espectador pelo contraste entre luz e sombra e por um jogo de ilusionismo.

3. Observem o projeto de Regina Silveira para a instalação Abyssal e expliquem o efeito óptico causado pela sensação de profundidade na superfície plana do chão.
4. Para ampliar as referências, pesquisem outras instalações em livros ou na internet, anotando nome do artista, nome da obra e como ela ocupa determinado espaço.

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ARTE, TECNOLOGIA E INTERATIVIDADE

As novas tecnologias empregadas em propostas artísticas permitem outras formasfórmas de interação entre o público. Recursos digitais, computadores, telas sensíveis ao toque, softwares, internet, técnicas multimídia etcetcétera. são ferramentas, materiais e suportes cada vez mais presentes na atualidade e na Arte Contemporânea.

Os artistas da arte digital passam a colaborar com outros profissionais e técnicos, como engenheiros, programadores e animadores. Vídeos e projeções digitais, em duas ou três dimensões, podem proporcionar uma imersão em obras interativas que aguçam o visual, o auditivo e o tátil. Esses recursos não são exclusivos das exposições de arte, sendo utilizados em apresentações teatrais, musicais e de dança.

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O Festival Internacional de Linguagem Eletrônica (Filefáiol) é realizado na América do Sul desde os anos 2000. O evento conta com diversas obras e propostas de artistas nacionais e internacionais que envolvem arte e tecnologia. Em 2019, a instalação interativa Into the Wind era ativada pela interação do espectador. Programas de computador faziam uma leitura da intensidade do sopro dos participantes para criar bolhas de sabão de diversos formatos e tamanhos. Todo o processo e mecanismo para que as bolhas fossem criadas era observado por meio de uma estrutura transparente.

5. Pesquisem uma obra que utilize recursos digitais e interatividade. Ao compartilharem os resultados com a turma, anotem e classifiquem recursos e tipos de interatividade identificados nas pesquisas.

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Arte e acessibilidade

Algumas exposições buscam democratizar o contato do público com a obra por meio de audiodescrições, tradução e escrita em libras, a Língua Brasileira de Sinais. Instituições e artistas têm dado a devida atenção à diversidade de público, especialmente às pessoas com algum tipo de deficiência.

Além do Braille, um recurso para os deficientes visuais são os mapas táteis, que permitem que o público perceba como são as formasfórmas e as figuras em uma pintura ao tocar em um protótipo com relevo. Algumas esculturas também são adaptadas ou criadas para que o toque proporcione aos visitantes uma experiência com as obras.

6. Pesquisem exemplos de museus no Brasil e no exterior com obras e propostas adaptadas às pessoas com deficiência.

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Som, uma coreografia para surdos é a proposta interativa da artista, dançarina e cineasta carioca Clara Kutner (1976-). O projeto – que contou com a parceria de diversos profissionais, incluindo bailarinos surdos e artistas da música – consiste em uma tecnologia interativa e inclusiva que permite que pessoas surdas também possam ter uma experiência com a música. Sobre uma plataforma de madeira, o público sente os estímulos vibratórios dos sons graves da música flamenca enquanto assiste, em vídeo, a uma coreografia de um bailarino surdo que também acompanhou as vibrações para dançar.

7. Com a orientação do professor, façam os experimentos em sala de aula. ▶ Experimento 1: Todos deverão ouvir músicas que destaquem os instrumentos percussivos. O objetivo é que a vibração sonora possa ser sentida. Para isso, tentem focar ao máximo nas sensações causadas pelas vibrações do som. ▶ Experimento 2: O professor combinará com a turma para que levem uma pequena escultura de casa. Pode ser um objeto de decoração ou mesmo um brinquedo. Com os estudantes de olhos vendados, esses objetos passarão de mão em mão. A ideia é que todos tentem, ao final, descobrir quais objetos tatearam. ▶ Ao final, compartilhem as impressões das experiências.

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Performance

Como linguagem, a performance investiga os modos de agir do ser humano em sociedade, como nos comunicamos, nos expressamos e até como usamos a mecânica do corpo para realizar ações banais no cotidiano. Na Arte Contemporânea, a performance é uma proposta artística que busca desnaturalizar esses gestos habituais da rotina, a fim de que ganhem novos significados e alcancem uma dimensão poética e crítica.

8. A brasileira Lenora de Barros (1953-) usa fotografia e vídeo como registro para suas ações performáticas. Expliquem de que maneira a artista aciona o gestual do cotidiano para criar uma proposta que alcance novos significados e interpretações.

A performance utiliza-se do corpo como suporte para a arte, como objeto de arte e como procedimento para fazer arte. Nela, não cabe a definição de personagem, uma vez que o artista propositor não interpreta, e, sim, usa seu próprio corpo para ser agente de uma ação. Também não há uma narrativa ou história a ser contada. O artista-performer cria e vive um programa, um roteiro, com ou sem a participação do público.

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A performer sérvia Marina Abramović (1946-) fez da performance um experimento constante, um espaço de investigação dos limites e das possibilidades do corpo. Em Energia de repouso, de 1980, Abramović e o artista UlayÚlai (1943-2020) distendem ao máximo um arco com uma flecha. Porém, em função do equilíbrio dinâmico dos corpos dos performers, esse disparo é anulado.

Na performance A artista está presente, Abramović ficava sentada por várias horas em uma cadeira, à espera do público. Uma pessoa de cada vez podia se sentar em frente à artista para que houvesse algum tipo de contato, sem palavras e a certa distância. Em seguida, a performer abaixava os olhos e era a vez de outra pessoa do público sentar-se diante dela.

9. Em A artista está presente, as ações da artista e do público foram resumidas à comunicação visual. Sob orientação do professor, experimentem reproduzir a mesma performance em duplas.

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Happening

O happening é uma formafórma de Arte Contemporânea que combina elementos de várias linguagens artísticas, especialmente a do teatro, porém com a participação do espectador na proposta do artista. Não se trata de um espetáculo nem de uma representação; é um acontecimento real, passageiro, que só acontece de determinada formafórma uma vez. Mesmo que seja reproduzido, os participantes poderão reagir de outro modo, e o evento terá um desdobramento diferente.

O termo happening foi criado no fim dos anos 1950 pelo artista visual e performer estadunidense Allan KaprowÁlan Cáprou (1927-2006). Fluidos, seu happening realizado em 1967, consistia em construir muros com blocos de gelo. Moradores voluntários da Califórnia, Estados Unidos, levantaram uma enorme estrutura deixada para que a ação do tempo e do estado próprio do material fizesse com que tudo acabasse ao derreter. Esse “acontecimento” nos põe em reflexão sobre a permanência do objeto da arte, além do empenho de forçafôrça, energia e tempo para construir algo sem o objetivo de trazer qualquer benefício, resultado concreto ou lucro.

10. Kaprowcáprou detalhava em textos como seriam as etapas para a realização de seus happenings. Elaborem um cartaz com as eta­pas da execução de um happening. Destaquem todos as etapas e os procedimentos e utilizem desenhos e ilustrações, se julgarem necessário.

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ATORES E ESPECTADORES EM CENA

As inovações e o rompimento com o tradicional também marcam o teatro na contemporaneidade. Apresentações em diferentes espaços extrapolam a delimitação entre artista e público, como as realizadas em espaços abertos ou forafóra dos palcos tradicionais. Também são bastante comuns outros formatos mais intimistas e com a participação do espectador.

Naquele instante, da Companhia Código de Artes Cênicas de Japeri, do Rio de Janeiro, é um exemplo de peça que o público participa do andamento da narrativa posta em cena. Com um público reduzido e ao redor de um pequeno espaço reservado para o palco, os atores compartilham memórias da adolescência e da infância. A prática é resultado de técnicas em que as experiências biográficas dos atores são materiais para criação.

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Público atuante no teatro de Augusto Boal

Como dramaturgo e diretor teatral nas décadas de 1950 e 1960 no Brasil, Augusto Boal (1931-2009) buscava um teatro de denúncia social, discutindo questões próprias da cultura brasileira. Espect-ator é um neologismo criado por Boal para definir aquele espectador que deixa de ser passivo e pode se tornar um investigador ativo dos problemas dramatizados em cena.

O espect-ator é convidado a entrar em cena, intervindo nas ações da narrativa para propor alternativas que solucionem determinado conflito. Boal acreditava que essa prática era uma experiência para que o ser humano deixasse de ser espectador na vida e passasse a ser um agente de transformação, um ator do próprio espetáculo. Boal também desenvolveu uma diversidade de técnicas e ações dramáticas, sendo uma delas o Teatro-Jornal.

Fazendo leitura cruzada

Com base na proposta de Boal, a turma se reunirá em grupos para realizar um exercício teatral chamado “leitura cruzada”.

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DANÇA CONTEMPORÂNEA

Desde a década de 1960, após as mudanças ocorridas na arte pelo impacto dos movimentos de vanguarda e modernistas, a dança, assim como outras linguagens artísticas, também foi desenvolvendo e ampliando as possibilidades da expressão pelo corpo. Explorando peso, fluxo, níveis espaciais e os diferentes tempos no ritmo, os artistas propuseram outras maneiras de se relacionar com o próprio corpo e com o público pela experiência e pela expressão de sentimentos traduzidos na dança. A investigação do gesto e do movimento expressivo, o caráter experimental e o distanciamento de técnicas rígidas marcam a dança contemporânea, que pode se mesclar a outras linguagens, como o teatro e as artes visuais.

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A bailarina, coreógrafa e professora Angel Vianna (1928-) é referência na dança moderna e contemporânea no Brasil. Angel desenvolveu métodos para a conscientização do movimento, entre outras práticas e técnicas que buscavam o respeito à individualidade corporal de cada indivíduo.

▶ Pesquisem em sites, vídeos com apresentações de dança dos artistas citados no texto. ▶ Como exercício prático, improvisem movimentos com base no que foi descrito. Registrem com fotos ou desenhos os movimentos de outro colega e compartilhem as impressões dos resultados.

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Entre os grandes nomes que contribuíram para a cena da dança contemporânea está a estadunidense Trisha Brownbróun (1936-2017). A coreógrafa e bailarina iniciou no balé clássico e logo se interessou por desenvolver a própria expressão na dança, distanciando-se dos padrões técnicos clássicos e modernos.

Em It's a Drawn, uma série de apresentações iniciada em 1999, Trisha Brownbróun usava o corpo como ferramenta para o desenho, imprimindo sobre o papel as marcas expressivas dos seus movimentos. O giz traçava os rastros e vestígios do seu corpo que dançava e se movimentava em saltos, giros e coreografias espontâneas.

Trisha se dedicou ao uso da improvisação, incorporou movimentos cotidianos à dança, usou a fala e a voz para a composição de suas propostas, além de sair dos espaços habituais das apresentações para ocupar locais públicos e urbanos.

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PROPOSTAS ARTÍSTICAS HÍBRIDAS

Oskar SchlemmerÓscar Chilêmer (1888-1943) foi um professor de teatro da Bauhaus, escola de artes fundada em 1919, na Alemanha. Idealizou em 1926 o Balé Triádico, espetáculo em que bailarinos usavam figurinos geométricos, com estética construtivista, para performar danças estilizadas. A proposta era uma junção de teatro, dança, música e artes visuais.

Na contemporaneidade, também é recorrente que as linguagens artísticas sejam fluidas e se inter-relacionem de maneira híbridaglossário .

▶ Pesquisem, na internet ou em livros, outras propostas compostas de várias linguagens artísticas ao mesmo tempo. Ao final, compartilhem com os colegas os resultados e discutam sobre as possibilidades que se ampliam nessas combinações.

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eu APRENDI

Faça as atividades desta seção no caderno.

1. Na Arte Contemporânea e Conceitual, os artistas recorrem à diversidade de materiais para a produção de suas obras. Com base no que você aprendeu nesta unidade, descreva:
   1. materiais e suportes comuns na arte;
   2. diferentes tipos de material e suporte utilizados na Arte Contemporânea.
2. Analise as informações a respeito da música e da poesia concreta.
   1. Sons e ruídos ao nosso redor podem ser material para a criação da música concreta.
   2. É considerado poeta concreto aquele que valoriza o pensamento racional.
   3. A música concreta é aquela percebida pelos fenômenos da natureza e que são captados por fitas magnéticas.
   4. O poema concreto desconstrói a formafórma tradicional do verso.
   1. Somente IIdois está correta.
   2. Somente Ium e IIItrês estão corretas.
   3. Somente IIdois e IVquatro estão corretas.
3. Lygia Clark e Hélio Oiticica foram importantes artistas do movimento Neoconcreto. Explique quais as semelhanças entre eles.
4. Analise as alternativas. Identifique aquelas com informações falsas e reescreve-as no caderno.
   1. A performance utiliza-se do corpo como suporte para a arte.
   2. No Brasil, todos os espaços expositivos da arte estão acessíveis para o público que apresenta alguma deficiência.
   3. É comum o uso de recursos digitais e tecnológicos em obras interativas.
   4. Na performance e no happening pode haver participação do público.
   5. Na Arte Contemporânea, os artistas abordam diversas temáticas.

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5. O alemão Bertoltbértold Brechtbréche e o brasileiro Augusto Boal foram importantes nomes do teatro, cada qual em seu contexto e época. Em ambos, a posição ativa e crítica do público é fundamental. Explique a relação do espectador com a obra de ambos os artistas.
6. Transcreva a alternativa com os artistas de referência na dança contemporânea.
   1. Angel Vianna e Trisha BrownTrícha Bráun.
   2. TrishaTrícha Brown e Marina Abramović.
   3. Regina Silveira e Jackson PollockDjéksôn Póloqui.
   4. Angel Vianna e Flávio de Carvalho.
7. A obra retratada na imagem foi planejada e organizada para um ambiente. Diferentemente de um quadro sobre a parede, ela se relaciona com o espaço de modo a ocupar uma área específica. Cite a alternativa que corresponde a obra retratada.
   1. Happening.
   2. Bólide.
   3. Instalação.
   4. Ready-made.

8. Observe as duas manifestações artísticas propostas nas imagens e descreva o que se pede.

1. O que elas apresentam em comum.
2. Cite o tipo de recurso proposto nas obras para permitir a interação com o público.

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vamos COMPARTILHAR

Sala de memórias

Ao encerrar esta unidade, entendemos que na Arte Contemporânea existe uma amplitude de linguagens para expressar diversas questões ligadas ao cotidiano e à vida, como a performance, a dança, a música, a instalação, o vídeo, entre outras, desde que relacionadas ao tema.

A proposta é que a turma, utilizando uma das linguagens da Arte Contemporânea, organize uma exposição coletiva com o tema “memórias”, refletindo sobre como nossas memórias afetivas fazem parte da nossa história e sobre a importância desses sentimentos que envolvem experiências de vida, lugares e pessoas.

Etapa 1 – Definição e organização das propostas

1. Com a orientação do professor, cada grupo escolherá um tipo de obra diferente para expressar o tema “memórias”.
2. As obras poderão ser desenvolvidas em diferentes linguagens e expressões, como performance, dança, música, instalação, vídeo etcetcétera., desde que relacionadas ao tema.

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Etapa 2 – Ensaio e preparo

▶ De acordo com o tipo de proposta escolhida, preparem-se para o ensaio e os ajustes. Por exemplo, se for uma apresentação de dança, definam a coreografia, os figurinos, o cenário, a música. Se houver registro em vídeo, testem as possibilidades de gravação. Lembrem-se de que esse tipo de proposta deve ser curta, não devendo ultrapassar o limite de 5 minutos para cada grupo.

Etapa 3 – Organização do espaço e montagem

1. Organizem a melhor maneira para expor os trabalhos: caixas de som ou fones de ouvido para a música, a exibição de um vídeo de dança realizado pela turma ou performance, desenhos e pinturas, entre outras possibilidades. Explorem e ocupem esse espaço.
2. Retomem o trabalho de memórias afetivas feitas nos saquinhos de tecido. Com a fita dupla face, fixem os saquinhos sobre uma parede ou mural. Planejem como ficará a disposição de cada um sobre a parede, se estarão enfileirados ou organizados de modo mais orgânico.

Etapa 4 – Evento

1. Com a orientação do professor, combinem o melhor dia e horário para que a família e a comunidade possam prestigiar o evento.
2. Permitam que os espectadores possam interagir com a obra de algum modo, principalmente pela reflexão. Se possível, reservem um momento ao final para que haja uma conversa sobre as sensações que as propostas provocaram no público.